Creación del Blog

Este es un proyecto de Expresión Gráfica I y esta diseñado para hablar exclusivamente de un estilo artistico: el CUBISMO.

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Rojas Hernandez Stephany Arely







lunes, 15 de noviembre de 2010

miércoles, 3 de noviembre de 2010

Análisis del mural: "La Trinchera" de José Clemente Orozco

Mural: La Trinchera
Pintor: Jose Clemente Orozco
1923-1926
Mural ubicado en El Antiguo Colegio de San Idelfonso



Primeramente cabria destacar un analisis del significado del mural en un sentido más profundo y no entrar por el momento en una cuestión técnica de analisis.
Este mural nos refleja observando particularmente la parte izquierda, una critica del pintor, un idealista de lo que era la situación en este caso de lo que sucedió durante batallas interminables que no finalizan en la fecha del ultimo enfrentamiento armado, sino va más allá de una fecha sino marca un tiempo.
El hombre pelea lado a lado de su hermano, su compañero, es decir, ¡de donde proviene el verdadero hombre que lucha: del pueblo, verdaderamente aquellos altos no arrojarian de su seno de comodidades y lujos a su hiospara pelear, o ellos mismos para defender aquello que pregonan como suyo, su patria, en que estado dejan luchar a sus protegidos, que debiesen ser sin embargo los utilizan como escudo para no pelear sus batallas cuando de mano a mano se trata de defender al pais, la posición de aquel hobre caido en la pintura nos señala una cruz, la posicion de sus manos, es decir, no solo aquellos que estan mas presentes para dar la cara por nosotros, nuestros gobernantes, sino detras de este tambien se encuentra un poder supremo; la iglesia, que tambien presente no hace gala de su magnifica presencia en la lucha armada, otro hombre que se encuentra de rodilla con las manos en el rostro significa para mi el miedo que se tiene, la derrota, el ver a compañeros perdidos en la batalla, la desesperación de los momentos en que se vive, esta escena detras de latrinchera demuestra muchas criticas hacia todo lo que ocurre y seguira ocurriendo, como no un México nuevo, sino aquel petrificado en sus batallas sin ganar.

Analisis de elementos de el mural

Bueno las caracteristicas que logro destacar de este cuadro son:
El tema que maneja es Historico y De Paisaje , es la combinación de estas pues claramente maneja este sentido de la Revolución y capta un momento, una escena dramatica.
La representación de la obra es realista pues capta un momento no imaginario, ni sacado de un cuento, sino el puro manejo de una imagen plasmada real, no utilizando modelos, sino de una manera oculta los representa como en una manera figurada.
La imagen utiliza símbolos, pues no esta expresada directamente el mensaje, y tambien utiliza la representación de objetos directos y comunes.
La función de este mural es ideologica pues intenta plasmar ides (criticas) politicas.

Elementos de la obra
-Color: en su mayoria hay un manejo de colores intensos, particularmnete rojos en lo que se refiere al fondo, lo que le da un sentido más drámatico al mural.
-Composición: Es apreciablermente buena, pues combina varios elementos que dan el sentido de impacto.
-Perspectiva: La parte que representa la trinchera esta dividida en dos partes, los dos hombres cayendo y el hombre sentado de rodillas y estan separadas por una perspectiva diferente.
-Ritmo: No logre ubicar realmente una generalización de movimiento evidente, no afirmo que no lo tenga sin embargo no esta muy presente.
-Plano: Considero que hay dos planos, divididos por el cambio de color en el fondo que pasa de un marron a un rojo intenso.

martes, 12 de octubre de 2010

eN cOrTO: ¿QUÉ fue el MODERNISMO?

Fue una corriente cultural que apareció a finales del siglo XIX y se extiende hasta las dos primeras décadas del siglo XX. Es un movimiento de origen europeo, pero de consagración latinoamericana  

Esta se opone al realismo y le da un toque parecido al romanticismo, sin embargo es una innovación del arte lo que se pretende, y e da importancia a todas las cosas, es decir que la concepción de belleza sea más amplia al integrar cualquier objeto común, se manifestó en todas lar artes como la pintura, arquitectura, literatura, etc.
Se busca el placer que proporciona la integración de la belleza y el bienestar. La naturaleza es trasplantada al interior, dotándolo de flexibilidad, inestabilidad y ligereza.

Lo que buscaron fue una renovación del lenguaje y una nueva forma de expresión que diera cuenta de lo latinoamericano como diferente de lo sajón y de lo hispano. En este sentido, exploraron las raíces latinoamericanas con el fin de hallar el basamento ideológico para el desarrollo de sus pueblos.

Se le llamó Modern Style en Francia, Art Nouveau en Inglaterra y Estados Unidos, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria, Liberty en Italia, Modernisme en los núcleos de Barcelona y Valencia y Modernismo en las zonas españolas y americanas de lengua castellana.
A grandes rasgos, la reacción estética contra la civilización industrial, que se había impuesto en buena parte de Europa cambiando no sólo el modo de vida de millones de personas sino también la concepción del arte, y un acercamiento a la morfología de la naturaleza definen en esencia este movimiento
prendiendo con fuerza en todos los ámbitos del arte y del diseño.
Las condiciones políticas y socioeconómicas en que surgió el modernismo en América Latina fueron diferentes en cada país.

En el desarrollo del Modernismo en Hispano America que se puede considerar el surgimiento y consolidación de esta corrientes, dentro de esta se destacan autores impulsantes como son:
Iniciación: La primera generación modernista (1882-1896). José Martí y Manuel Gutiérrez Nájera inician un trabajo de actualización de la lengua
Culminación: En 1888, Rubén Darío publica su libroAzul
Continuación: La segunda generación modernista. Consagrado Rubén Darío como jefe de la escuela del Modernismo
Ellos son, entre otros, Leopoldo Lugones, Ricardo Jaimes Freyre, Amado Nervo, y Julio Herrera y Reissig.




lunes, 11 de octubre de 2010

Visita al Colegio de San Idelfonso a la exposición: José Clemente Otozco.Pintura y verdad

VISITA AL MUSEO COLEGIO DE SAN ILDEFONSO
EXPOSICIÓN: José Clemente Orozco, pintura y verdad
La exposición es muy interesante ya que revela la integridad de un hombre que transmite a través de sus pinturas una crítica sin medida a lo que sucedía por aquellos años de injusticia (como siempre) social, que no se maneja a toda literalmente sino a la de mayor peso en masa, es por eso que retrata muy bien estas situaciones sociales y personales, en una muestra de sus sentimientos y forma de pensar lo que veía; en sus pinturas, murales, bocetos y caricaturas la realidad, unas con un sentido oculto y metafórico y otras expresadas literalmente.
La exposición consta de 20 salas  donde se puede apreciar el trabajo artístico de Clemente Orozco y  en las paredes del colegio de San Ildefonso se exhiben algunos  murales; las salas contienen pinturas y estudios (bocetos de los murales) y en una sala sus caricaturas y pinturas en acuarela.
 Nos deja ver su excepcional perspicacia y su admirable capacidad de combinar diferentes técnicas del arte. Se observan varías técnicas como son: óleo sobre tela, óleo y temple sobre tela, piroxina sobre masonite, acuarela sobre papel, lápiz sobre papel, tinta sobre papel, litografía, crayón sobre papel y carbón sobre papel.
Las colecciones fueron cortesías de: Particulares, Museo de Arte Carrillo Gil, INBA/Intituto Cultural Cabañas, INBA/Museo de Arte moderno, en su mayoría Lucrecia Orozco Valladares e hijos, Alicia Gonzáles de Orozco y familia.
La visita a esta exposición es más que recomendable, ya que, ofrece una tarde agradable  de humor y comprensión de lo que fue las diversas etapas sociales y la forma de pensar del autor  para poderlas plasmar, sin mencionar la accesibilidad de esta ; y sobre todo porque  es muy difícil tener reunidas tantas pinturas y diferentes bocetos de una persona tan reconocida en el arte como lo es José Clemente Orozco y es una forma de ampliar nuestra cultura.
Biografía de José Clemente Orozco

Las soldaderas Pintor muralista mexicano, contribuyó a recuperar la técnica, el diseño y los temas de la pintura al fresco. Está considerado como uno de los más destacados muralistas desde los tiempos del renacimiento. Orozco nació en Zapotlán, Jalisco, el 22 de noviembre de 1883. A los 7 años se trasladó a la ciudad de México, donde realizó sus estudios superiores en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Conoció el taller del grabador José Guadalupe Posada, que lo impresionó y cuya influencia marcaría toda su obra. En 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, que buscaba recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno mexicano. Una de sus primeras y más destacadas obras fue la serie de murales que hizo para la Escuela Nacional Preparatoria sobre la conquista, la colonización y la Revolución Mexicana. Entre 1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos. Allí realizó un grupo de murales para la New School for Social Research de Nueva York y en el Pomona College de California pintó un mural con el tema del héroe griego Prometeo. Sus murales para la Biblioteca Baker en el Dartmouth College (1932-1934) escenifican la historia de América con la serie La llegada de Quetzalcóatl, El retorno de Quetzalcóatl y Modern industrial man. De regreso a su país realizó grandes murales en el Palacio de Bellas Artes (1934) o la Suprema Corte de Justicia (1941) en la ciudad de México, además de diversas series en importantes instituciones de la ciudad de Guadalajara, como el Palacio de Gobierno, la Universidad o el Hospicio Cabañas. En la década de 1940 pintó algunos lienzos caracterizados por las líneas diagonales y el color gris que ya venía utilizando para sus murales. En los últimos años su estilo se fue simplificando, buscando sobre todo un carácter más dramático y violento que le aproximara más al expresionismo. Orozco murió en México D.F. el 7 de septiembre de 1949. Fue enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres, honor que por primera vez se dio en México a un pintor.  
Pintura y verdad
Si el proyecto de Justo Sierra al fundar nuestra Casa de estudios el 22 de septiembre de 1910, se vio interrumpido por el movimiento armado y revolucionario, José Vasconcelos, una década después, tomaría la estafeta del humanista del porfiriato y comenzaría a hacer realidad los propósitos fundamentales de la Universidad Nacional.
Cuando Vasconcelos lanzó por todo el país su famosa e insuperable colección Los Clásicos invitó a colaborar a escritores y artistas. A comienzos de 1923 José Clemente Orozco, famoso como caricaturista y pintor de mujeres pícaras, tocó a la puerta del Departamento Editorial de la Universidad de México para ofrecerle como ilustrador. Las tragedias de Equilo y los de Euripides, Los Diálogos de Platón y los tres cantos de ultratumba de la Divina Comedia de Dante, son algunos de los volúmenes de las viñetas.
Podemos decir que la exposición de José Clemente Orozco. Pitura y verdad, después de exhibirse en el Instituto Cultural Cabañas de Guadalajara y que ahora alberga el  Antiguo Colegio de San Idelfonso es el resultado de una oportuna justicia poética que nos ofrece el portentosos universo visual del artista el año que celebramos el Centenario de Nuestra Universidad.
Cuando este deslumbrante edificio era la Escuela Nacional Preparatoria, el entonces rector José Vasconcelos convocó en 1922, a un grupo de jóvenes artistas a formar sus muros, provoco el nacimiento del moderno Muralismo Mexicano.
El imaginario pintado en las paredes de San Idelfonso nos ofrece un sin fin de caminos para entender y discutir nuestra historia, nuestro presente y, también nuestro futuro.
En ese momento funda el murfalismo, al lado de Diego Rivera, Ramon Alba de la Canal, Fernando Leal, Fermín Revueltas, Jean Charlot, se trataba de el nacimiento de l muralismo mexicano e iba a marcar la cultura del país de manera profunda.
La obra de firmeza y fuerzade José Clemente Orozco, su agudo espiritu critico que, a veces, hace uso de una cruda ironía, su maestría técnica de virtuosos estilos, paleta, composición y aprovechamiento de los espacios arquitectonicos de este recinto, aborda períodos confusos de su historia: creación del nuevo mundo, la destrucción del viejo orden, La Conquista, Los Conflictos sociales, La falsedad y la injusticia, Los sacrificios de los ideales así como los derroteros de la Revolución. La obra maestra del jaliscience supera todas las criticas cesgadas, que pudo provocar para trascender y converetirse en opatrimonio indiscutible del arte universal.
Ø      Tomado de la Introducción en la sala 1 del Museo de San Idelfonso en la exposición José Clemente Orozco, pintura y verdad.
El Museo esta muy interesate ya que no sólo se observan las pinturas como ver la televisión, sino cada una de ellas invita a reflexionar todo el contexto que abarca  revelando el gran espiritu de protesta y critica hacia las enorme$ clases que gobiernan y a los que de verdad sufren las consecuencias de su desiciones.




Su estilo heroico está fundado en un realismo de carácter expresionista, conscientemente ligado a las viejas tradiciones artísticas mexicanas, de violento dinamismo y amplísima factura.

“Orozco fue un pintor comprometido con las causas sociales, en las que plasmó un realismo ferozmente impresionante. Él plasmó también la penosa situación del indígena. Para él, el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte, porque no puede hacerse de ella un uso particular, sino que tiene una trascendencia social. Es, por lo tanto, el arte más puro y derecho para que el pueblo lo vea y lo confronte”.

PINTORES Y PINTURAS REPRESENTANTES DEL CUBISMO

Pablo Picasso
Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.
   NATURALEZA MUERTA (Los Pájaros muertos)    
Naturaleza muerta (Los pájaros muertos)
Óleo sobre tela                                                                                          
1912

INSTRUMENTS DE MUSIQUE SUR UNE TABLE
"Instrumentos de musica sobre una mesa"
Óleo sobre lienzo
1925
BUSTE ET PALETTE
"Busto y paleta"
Óleo sobre lienzo
1925
GUERNICA
"Guernica"
Óleo sobre lienzo
1937
FEMME ASSISE DANS UN FATUTEUIL GRIS
"Mujer sentada en un sillón gris"
Óleo sobre lienzo
1939
LAS MENINAS
"Las meninas"
Óleo sobre lienzo
1957
EL PINTOR Y LA MODELO
"El pintor y la modelo"
Óleo sobre lienzo
1963

"Desnudo, hojas verdes y busto"
Óleo sobre lienzo
1932
Paloma paz picasso.png












La paloma de la paz
Dibujo sobre cartel
1949


"El sueño"
Óleo sobre lienzo
1932


"Mujer con sombrero y cuello de piel"
1937

Georges Braque
Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero del puerto de l'Estaque. En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es cofundador.
plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.

"Gran bañista"
1907-1908

"Bodegones y flores"
Óleo sobre tela
1934


"El puerto de L´Estanque"
Óleo sobre tela
1906


"El puerto de Amberes"
Óleo sobre tela
1906

"El viaducto de L´Estanque
Óleo sobre tela
1907


"Paisaje de L´Estanque"
Óleo sobre tela
1906



"Desnudo sentado visto dees paldas"
Óleo sobre tela
1907

"Black fisf"
Óleo sobre tela
1942

Juan Gris
(José Victoriano González; Madrid, 1887-Boulogne-sur-Seine, Francia, 1927) Pintor español. Fue el máximo representante del cubismo sintético. Cursó estudios en la Universidad de Madrid, pero pronto se consagró a la pintura. Sus composiciones están dotadas de gran armonía gracias a una rigurosa metodología en la estructuración de las formas. Se desvinculó de la estética cubista de Braque y de Picasso, coloreando y sombreando objetos puntuales, con lo cual consiguió un ritmo visual elegante y personal

La ventana abierta
"La ventana abierta"
Óleo sobre lienzo
1921
Tres lámparas
"Tres lámparas"
Acuarela sobre papel

Violín y guitarra
"Violin y guitarra"
Óleo sobre lienzo

Retrato de Josette
"Retrato de Josette"
Óleo sobre lienzo

Naturaleza muerta delante del armario
"Naturaleza muerta delante del armario"
Óleo sobre lienzo

Guitarra ante el Mar
"Guitarra ante el mar"
Óleo sobre lienzo

El sifón
"El sifón"
Óleo sobre lienzo

Retrato de Picasso
"Retrato de Picasso"
Óleo sobre lienzo

Jean Metzinger
(Nantes, 1883-París, 1956) Pintor francés. Tras sus experiencias neoimpresionistas y fauvistas, se aproximó al cubismo y participó en las reuniones de la Sección de Oro, en Puteaux, en el taller de J. Villon. Publicó, en colaboración con Gleizes, Sobre el cubismo (1912). Su obra se divide en dos etapas: una cubista y otra realista.


"Landscape"
Óleo sobre lienzo
1904

Le Village
Óleo sobre lienzo
1918


"Naturaleza muerta"
Óleo sobre lienzo
1919

"Dancer in a cafe" (Danseuse su Café)
1912

"Sailtboats"
Óleo sobre tela
1912

 Albert Gleizes
(París, 1881-Saint-Rémy-de-Provence, 1953) Pintor francés. Se incorporó, en 1910, al movimiento cubista, sobre el que escribió la obra Sobre el cubismo y los medios para comprenderlo (1912). En su pintura llegó de manera progresiva a sacrificar la forma a las exigencias de la composición y del ritmo (Proyecto de pintura mural para la estación de Moscú, 1920); con posterioridad, adoptó principios no figurativos.


Dia de mercado en las afueras
Óleo sobre lienzo
1905





Hombre en una hamaca
Óleo sobre lienzo
1913




Mujer con flores
Óleo sobre lienzo
1910




Pintura con 7 elementos
Óleo sobre tela
1935



Hubo mas cubistas pero estos son los principales

Antecedentes e Historia del Cubismo

La capital del mundo, por lo que se refiere al arte, había sido Roma desde el Renacimiento. Por diferentes motivos, entre ellos el de su respeto a una tradición, cambia de lugar y se traslada a París. Indudablemente los motivos de esta migración son múltiples y difíciles de fijar, pero uno de ellos es, sin duda, la inquietud plástica desencadenada por el impresionismo y las diferentes reacciones y actitudes ante el mismo. El hecho es que entorno a 1900 residen en París, o hacen frecuentes visitas  a la ciudad, artistas de todos los países. El Modernismo, bajo diferentes denominaciones (Art nouveu en Francia y Bélgica, Jugendstil, en Alemania, Moder Style en Inglaterra, Sezession en Austria y modernisme en Cataluña; en el resto de España apenas tuvo una esporádica realización) impera a en cuanto a ornamentación y decoración en toda Europa, pero es indudablemente en París en donde tiene su máxima manifestación, que se observan en los trazos de Toulouse-Lautrec y en las telas de Matisse. Por este camino se iniciaran en el arte otros muchos artistas nacionales y extranjeros, entre ellos al que pocos años después se convertirá en jefe indudable de fila y una de las primeras figuras mundiales del arte, Pablo Picasso.
Después de la innovación del “fauvismo” llegamos, en 1907, a la primera experiencia que marca el nacimiento del “cubismo”. El cubismo más que un estilo es una tendencia, una actitud ante el problema del arte. Actitud radical en sí por las consecuencias ineluctables que comportará, pero también evolución si se quiere precipitada, de la problemática planteada hasta ahora por el arte nacido al socaire del impresionismo. Los principales militantes del cubismo surgen de las filas del fauvismo y de las de los precursores del expresionismo. Dos nombres se barajaran en cuanto a la determinación precisa y expresa de su paternidad: Picasso y Braque.

Las retrospectivas de dos de los principales representantes de la vanguardia del siglo XX, Paul Gauguin y Paul Cézanne, realizadas en 1906 y 1907 respectivamente, ofrecieron a la investigación artistica nuevas fuentes de estímulo e inspiración, especialmente la moda primitivista que, bastante difundida entre los grupos artisticos de vanguardia impulsó a pintores como Henri Matisse y Pablo Picasso a estudiar las condiciones etnográficas de los museos de París, e incluso a reunir ellos mismos colecciones de máscaras y otros objetos primitivos de Africa o de las islas del Pacifico.
Entre sus influencias podríamos mencionar al arte tribal: máscaras, estatuillas, y escudos, producto del intercambio cultural con las colonias y un mundo aún virgen, y que exaltaba la imaginación y daba por tierra con todo lo establecido hasta el momento.



 En esta atmósfera estimulante y creativa fue donde Picasso realizó la que generalmente se define como la primera pintura cubista, “Demoiselles d´Avignon”  (“Las Señoritas de Avignon”, 1907).
 "Demoiselles d´Avignon”
Pablo Picasso
 Por otra parte el cubismo parecía a simple vista, más bien la culminación natural de la actitud crítica de Cézanne ante el impresionismo, y por consiguiente la última consecuencia del arte racional del Renacimiento, que una actitud revolucionaria disuelta a cambiar un orden de cosas establecido, aunque esto último fuera el resultado natural de aquella.
Helecho indiscutible es que en el cuadro de Picasso de 1907 ya referido hay un tratamiento geométrico del tema. Entre este año y 1909 se gesta el cubismo; primero a través de interminables discusiones y experiencias entre si es la emoción lírica (fauvismo) o la construcción del cuadro (Cézanne) lo que debe prevalecer en la pintura.

En 1908 viven en una vieja casa de Montmartre llamada Bateau-Lavoir, o frecuentan los talleres de los artistas allí establecidos: Pablo Ruiz Picasso (1881) español, Max Jacob (1876-1944) ruso, Marie Laurencin (1885-1956), Georges Braque (1882-1968) franceses, Guillaume Apollinaire (1880-1918) poeta, rumano naturalizado fránces, Gertrude y Leo Stein, americanas, y el tambiénj español Juan Gris (1887-1927). Poco a poco llegan Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953), August Herbin (1882-1960), Henri Le Fauconnier (1881-1946), André Lothe (1885), Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1878-1953), todos ellos pintores y el escultor ruso Alexander Archipenko(1887). Es de esta colmena que saldrá el cubismo.
En 1908 Braque pinta una tela titulada “Casas en el Estanque”, en donde el tratamiento cubista del tema es bien claro.
 Entre 1908 y 1914 Picasso y Braque trabajaron en estrecha colaboración, realizando naturalezas muertas y retratos en los que, poco a poco, se fueron definiendo las características distintivas del cubismo, Modificando de raíz la relación que tradicionalmente existía entre el mundo tridimensionalidad de la realidad y su representación sobre la superficie de la tela, el Cubismo rechaza la ilusión del espacio como elemento necesario de la imaginación pictórica. Sin embargo Picasso y Braque no quisieron explicar al público el significado profundo de su invención.
Racionalmente frío, resultado de una actitud elitista y en el fondo reaccionaria, la pintura cubista se dirigio de forma deliberada a un público de iniciados o con una cierta preparación suficiente para comprender las intenciones implícitas en la pintura de Picasso y Braque.

El método para representar el volumen y el espacio utilizado por Cézanne, consistente en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado, constituye la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre las representación de las formas tridimensionales dentro de la superficie plana de la tela. A diferencia de los fauces, Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color, desarrollando imágenes casi monocromas. Esta primara etapa del cubismo se encuentra bajo la influencia de Cézanne y comprende el lapso entre 1907 y 1909.
Hacia 1910, las representaciones hechas por Picasso y Braque se habían segmentado en una serie de fragmentos que prescinden completamente de la tridimencionalidad del motivo, representado ahora como si estuviera paralelo al plano de la imagen. En esta segunda fase del cubismo (denominada Cubismo Analítico por el pintor español Juan Gris) la imagen ya no es representación, expresión o símbolo de la naturaleza muerta o de la persona, sino un tema válido por si mismo.
Al llegar al umbral de la abstracción en 1913, Picasso y Braque se retracta, consientes de que el cubismo analítico representaba ciertos inconvenientes; uno de los principales era la pérdida de la homogeneidad y de la densidad del objeto, de ahí el riesgo de afectar a la identidad del mismo. Para resolver esta problemática, Picasso y Braque subrayaron la relación entre la imagen y el mundo mediante la inclusión en sus obras de sobres estampados y, más adelante, con objetos reales como páginas de periódico, partituras musicales, hojas de papel pintado e incluso galletas; las obras de este tipo ya no se definen como pinturas sino como cuadros-objeto. A esta tercera fase, se le denominó Cubismo Sintético.

Las posiciones asumidas por Picasso y Braque ejercieron una enorme influencia sobre las nuevas generaciones de pintores. El término cubismo fue utilizado por primera vez con referencia a la exposición parisina (1911) de un grupo de artistas que se inspiraron en Picasso y en Braque. Sin embargo ambos iniciadores se mantuvieron siempre apartados, sin participar en ninguna de las muestras cubistas que contribuyeron a divulgar el nuevo estilo en Europa.


FUENTE: HISTORIA DEL ARTE, Lozano Fuentes José Manuel, Grupo Editorial Patria

 
En esta tela picasiana, indudablemente compleja, aparece en su parte derecha un tratamiento especial de las mujeres aquí pintadas que evocan irresistiblemente el arte africano que por aquel entonces empezaba a ser mostrado en Europa como otra manifestación de posibilidades expresivas experimentadas por otros pueblos, con lo cual se acababa también la hegemonía formal artística de Europa en el mundo y se reconocía que la estética nacida al socaire del mundo grecolatino no era nada más que un caso particular de expresión artística pero no el único posible.

Caracteristicas del cubismo

·        Se preocupa primordialmente por la expresión del movimiento y no tanto del tiempo.


Fernand Leger



·        Pretende representar(al mismo tiempo) todas las formas posibles de ver una figura. 

         ·  Procura capturar la cuarta dimensión, que está en la mente humana: la del movimiento, por lo que, el espectador está casi obligado a recorrer con su mirada todo el cuadro para “armar” la figura.

·        Descompone las formas y figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas; el objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado.


·  Describe una naturaleza muerta por medio de una monocromía definida por claro-obscuros, sombras

·        No recurre a las perspectivas.